El blog se convierte en obra, un "cambio de paradigma" para Fernández Mallo

Físico de formación, ecléctico artista de profesión y autor del blog "El hombre que salió de la tarta" en sus ratos libres, Agustín Fernández Mallo ha experimentado un "cambio de paradigma" desde que se dio cuenta de que algunas de sus publicaciones en la red eran "obras" en sí mismas.

Más o menos cada dos días, Fernández Mallo (La Coruña, 1967) actualiza ese blog que comenzó a escribir como "laboratorio de ideas" para ir desarrollando y que le ha hecho descubrir que muchas de las cosas que publica en él ya puede considerarlas "obra", algo que siente como "un cambio de paradigma, de mentalidad".

"No solo es obra lo que haces en papel cuando publicas un libro, sino que algo que está ya en internet, que has hecho un día sin intención de que fuera obra, de repente lo es. Y eso para mí ha sido un cambio importante", ha explicado con motivo del encuentro iRedes de Burgos.

El autor de la trilogía "Nocilla" cuenta cómo internet se ha incorporado a su "paisaje natural" de ideas, pero "no de forma premeditada", sino igual que le sirven como fuente de inspiración "lo que pasa en la calle, lo que llamamos el mundo físico o el mundo virtual de los libros, más clásico".

Considerado como uno de los grandes exponentes de la ola de escritores españoles llamada "generación mutante", Fernández Mallo es asiduo de internet, pero no de redes sociales como Twitter, en la que se niega a desembarcar, pero donde reconoce el mérito de quienes escriben tuiteos que son "auténticos poemas".

Contactar con otros autores vía e-mail, desarrollar y comentar proyectos de vídeo a la limón con un autor que vive en México o estar al tanto de lo que hacen otros creadores de su generación son algunos de los usos que Fernández Mallo hace de internet.

"La red ha sustituido a las tertulias clásicas literarias, que ya no existen y las que hay quedan como un elemento de nostalgia: donde se cuecen las cosas es efectivamente en internet", opina el escritor.

Acompañado siempre de un ordenador portátil para atender a sus impulsos creativos allá donde se producen, Fernández Mallo confiesa que crea sin una disciplina de trabajo programada porque "si hiciera eso, ya no escribiría, no le resultaría "apasionante".

Para él lo importante es el resultado final y opta por "hacer una vida normal" y, cuando llega una idea "escribir compulsivamente", en cualquier papel que cae en sus manos, desde tickets de compra hasta tarjetas de embarque de avión, sin tener "muy claro" lo que va a hacer, pero consciente de que "existe una atracción por una idea".

"Yo no me organizo y eso me gusta porque hace también que mi trabajo tenga esa apariencia de caótico, pero que no es nada caótico, que tiene una lógica interna que el lector percibe, una lógica mas poética que estricta o cartesiana", comenta.

Fernández Mallo no cuenta mucho de los trabajos que tiene en la recámara, "pero -dice- no porque no quiera, sino porque son proyectos que aún están en mi limbo mental", aunque avanza que está escribiendo mucho sobre "lo que podrán ser novelas y que incluirán imágenes".

El próximo mayo coinciden las publicaciones de su poemario inédito Antibiótico (Editorial Visor) y de la reedición de su primer libro de poemas Yo siempre regreso a los pezones y al punto 7 del Tractatus (Alfaguara), una noticia que le ilusiona porque en 2001, cuando se publicó por primera vez, solo se lanzaron 500 copias de esta obra.

Los creadores de Wallace y Gromit se pasan al 3D sin gafas con La oveja Shaun

Revolucionaron la industria de la animación con sus personajes de plastilina, ganaron un Oscar gracias a Wallace y Gromit y ahora, los creadores de La oveja Shaun han adaptado las aventuras de este entrañable personaje de granja al 3D sin gafas, sin renunciar a lo artesanal de su trabajo.

El estudio de animación Aardman en Bristol ha abierto sus puertas a los medios con motivo de la colaboración entre La oveja Shaun y Nintendo 3DS para mostrar los secretos del clay motion, el arte de crear animación foto a foto a partir de personajes moldeados en materiales como plastilina, arcilla o silicona.

Más que un estudio, la nave de Aardman es un taller de artesanía en el que se apuesta por el encanto del trabajo hecho a mano: cada oveja de la serie lleva una semana de trabajo a un artesano y en siete días de trabajo no se ruedan más de seis segundos de lo que serán las imágenes finales.

Fotograma de una de las aventuras de la oveja Shaun. Aarman.

Incluso la recreación del 3D sorprende por lo manual del trabajo: los fotogramas se captan con una cámara de fotos que se mueve unos milímetros tras la primera toma para captar una segunda imagen y crear así el efecto estereostópico.

Richard Goleszowski, creador de la serie, ha explicado que las dificultades para crear esta serie de 15 capítulos para la Nintendo 3DS han sido más argumentales que técnicas porque "el proceso para crear el 3D es el mismo que cuando se usan gafas. El problema está cuando tienes que escribir escenas que transcurran en un minuto, sin el sustento de una historia más larga".

Los capítulos se podrán descargar en la consola a partir de 7 de marzo en toda Europa, pero para Goleszowski, la "internacionalización" de Shaun no ha sido un problema ya que no cree que el humor entienda de fronteras y confía en que los chistes siempre funcionan "si te centras en aquello que te hace reír a ti, y eso es lo que hemos hecho".

Pasar un día de picnic sin que el aguafiestas del granjero se entere de sus planes, jugar al fútbol en la granja o esconderse entre los fardos de paja son algunas de las aventuras que Shaun y el resto del rebaño disfrutarán en entregas semanales de descarga gratuita y de un minuto de duración.

La clave para conseguir un resultado tan logrado está, según confiesa Goleszowski, en la especialización del equipo: diferentes personas se encargan de las sucesivas fases de creación de manera que quien modela en plastilina no es responsable de la fase de animación y viceversa.

La visita al estudio sirve de refrendo a sus palabras y de recorrido por un proceso lleno de secretos que los responsables de Aardman no han permitido grabar, pero sí contar.

Toallitas húmedas para dar brillo a la plastilina, elementos, como las manos o la ropa, que se modelan en látex para que no se estropeen en el proceso de animación, una especie de "laca" a base de cola sobre la lana de las ovejas para que permanezca inmóvil de toma a toma y refrigeración en los sets de rodaje para que los focos no ablanden los materiales son algunos de los trucos confesados.

Durante el rodaje, los animadores retocan las figuras sobre la marcha para que la plastilina que envuelve al esqueleto de aluminio de los personajes adopte formas naturales, las ovejas parpadeen y la acción se adapte al ritmo de la música que se compone ante de que se graben las imágenes.

El resultado de tanto trabajo estará pronto en las consolas, casi por las mismas fechas que la próxima aventura cinematográfica en 3D de los creadores de Chicken Run: The Pirates!, una película que promete tanta diversión como la que pronto se podrá disfrutar con La oveja Shaun.

Koji Kondo, el compositor que creó música sinfónica en 8 bits de sonido

Cuando hace más de 25 años el japonés Koji Kondo se enfrentó a la complicada tarea de crear una banda sonora para el videojuego The Legend of Zelda contaba con un limitado número de sonidos que, sin embargo, han servido como base a las composiciones sinfónicas homenajeadas hoy en Londres.

"No tenía ni idea de que esto llegaría a ocurrir", ha contado a Kondo, horas antes de asistir al concierto homenaje que ha preparado Nintendo con motivo del 25 aniversario de la popular saga de videojuegos The Legend of Zelda.

Sin pretensiones épicas, Kondo, que es también responsable de la reconocida música de Super Mario Bros., compuso la música para Zelda "con el único objetivo de que acompañara al juego y resultara agradable a los jugadores".

La diferencia entre la música en 8 bits que sonaba en las primeras versiones del juego y la interpretada por la orquesta sinfónica "PLAY! A Video Game Symphony" es abismal, tal y como reconoce el propio Kondo para quien la música sintética "puede sonar plana, neutral", comparada por la interpretada en directo.

"Escuchar la misma música interpretada por una docena de personas genera una sensación muy poderosa, puedes sentir el alma de las canciones", ha expresado Kondo, quien reconoce que las influencias de su obra son muy eclécticas y van desde The Beatles, a quienes dice admirar, hasta la ópera Carmen de Bizet, pasando por el flamenco y la obra del violonchelista español Pablo Casals.

Los avances técnicos permiten hoy introducir en los juegos incluso grabaciones de música real, sin embargo, para Kondo, el trabajo sigue siendo el mismo: "encontrar la melodía correcta para cada situación del juego y aportar entusiasmo a las acciones del jugador".

Un CD con las composiciones de Kondo en clave sinfónica acompañarán el próximo lanzamiento de The Legend of Zelda: Skyward Sword, a la venta el 18 de noviembre, un juego que llega en este año de aniversario con un viaje a los orígenes de la "espada maestra" que con los años convertirá al pequeño Link en Héroe del Tiempo.

Imagen del juego The Legend of Zelda: Skyward Sword. Nintendo.

Eiji Aonuma, director de desarrollo de los juegos Zelda, ha adelantado algunas de las novedades de esta nueva entrega de la que tan solo se ha desvelado que se tratará de una "precuela" de la historia que se relata en Ocarina of Time.

La clave de esta propuesta estará en la jugabilidad gracias a las novedades que aporta el mando Wii Motion Plus, que hará del uso de la espada "un auténtico rompecabezas" a resolver porque "será necesario balancear la espada de una manera diferente para batir a cada enemigo".

"Los juegos de Zelda siempre han propuesto a los usuarios que vayan descubriendo nuevos mundos y, en esta ocasión, introducimos una diferencia: los mundos que ya hayan explorado cambiarán de una visita a otra lo que añade mucha diversión", ha relatado Aonuma.

Para la creación de cada nueva entrega de la franquicia Aonuma consulta las opiniones de los jugadores, pero "absolutamente nunca" se limita a hacer aquello que le proponen porque "la clave está en tratar de sorprenderse con algo nuevo inesperado cada vez".

Joi Ito: "Compartir contenidos en la red es la llave de la democracia"

Compartir contenidos en la red de forma abierta, a través de las licencias de protección de la propiedad intelectual Creative Commons (CC), es "la llave de la democracia" que permite abrir las puertas a la libertad de expresión en la red, afirma el presidente de CC, el japonés Joi Ito.

"Cuando la gente puede hablar, puede convencer", ha explicado Ito en una entrevista en la que comparó el poder revolucionario de la imprenta con el de internet, un lugar "que tiene mucho que ver con la comunicación, con hablar, pero también con el coraje", como a su parecer se ha puesto de relieve en las revueltas que ha vivido recientemente el mundo árabe.

Gracias a la red, "cada persona tiene voz, aunque sea solo en 140 caracteres", un fenómeno que según Ito no perjudica a los medios de comunicación, "que atraviesan una crisis particular debido a los cambios que se están produciendo en su modelo de negocio", sino que por el contrario permite que un japonés acceda a un artículo de un periódico español gracias a un bloguero que lo ha traducido.

Para Ito, que además de presidente de CC es director del MIT Media Lab, uno de los centros de educación e investigación tecnológica más punteros, no hay que creerse todo lo que aparece en la red, "pero tampoco todo lo que publican los medios", puntualiza.

Por ello aconseja a los internautas "consultar varios medios y hacerse preguntas para acercarse a la verdad" con el argumento de que "lo más interesante de la Wikipedia no son los artículos, son las discusiones que hay detrás de ellos".

Sobre la verdad de CC versa el libro The Power of Open, cuya traducción al castellano ha presentado Ito en Madrid y que reúne una treintena de experiencias sobre cómo usuarios y empresas han protegido y compartido sus creaciones a través de este sistema y han conseguido al mismo tiempo hacerlas rentables.

Portada del libro. The Power of Open.

Ito busca desvincular a CC de la idea de la piratería: "nadie obliga a nadie a compartir sus contenidos gratuitamente, sino que CC ayuda a los creadores a dar una expresión técnica y legal a la decisión de cómo quieren hacer llegar sus contenidos".

De hecho, no cree que vaya a contribuir a dar una solución al problema de la piratería, porque "en el corto plazo, los piratas seguirán sin preocuparse de las cuestiones relativas al copyright y CC consiste en trabajar con gente que respeta los derechos de autor".

CC tampoco es sinónimo de gratis. Ito alude a los ejemplos que recoge libro, pero también a los de medios de comunicación como Al Jazeera que emplean esta licencia para agilizar los trámites para compartir vídeos "lo que no les da dinero, pero sí reputación".

Del mismo modo anima a los músicos a que, "al margen de las agencias de gestión de cobros de los derechos de autor a las que todo el mundo odia y nadie quiere pagar", compartan sus contenidos porque "cuando alguien encuentra a su grupo favorito entre miles de canciones que no le gustan, está dispuesto a gastarse el dinero que haga falta en conciertos y camisetas".

"A largo plazo, los recursos abiertos siempre, o casi siempre, acaban triunfando, como la democracia se impone a los dictadores", ha comentado en referencia al avance de Android frente a Apple, un agente "que ha controlado los márgenes del mercado, pero también le ha añadido valor".

Ito lamenta que la humanidad se encuentre tan influida por la idea que surgió con los estudios de Adam Smith de que el hombre es egoísta por naturaleza y considera que CC contribuirá "a devolver a la creación artística a las raíces de por qué creamos y por qué compartimos, que no tienen nada que ver con el dinero".

Montxo Armendáriz: "En cada víctima de abusos hay una película"

La historia de Silvia, una joven que lucha por recuperar su vida y sobreponerse a los abusos sexuales que sufre desde niña, centra el argumento de "No tengas miedo", lo nuevo del cineasta Montxo Armendáriz, que, en su investigación para el filme, se ha dado cuenta de que "en cada víctima hay una película".

Entrevistar a psicólogos, terapeutas y víctimas de abusos durante la infancia, elegir un punto de vista y una historia que trasladar al cine y adoptar un tono "alejado del morbo, de lo truculento y del amarillismo", son solo algunas de las difíciles tareas a las que Armendáriz se ha enfrentado durante los dos años de trabajo que ha dedicado a esta dura película.

Protagonizada por Michelle Jenner (Silvia), Lluís Homar (padre y abusador de la protagonista) y Belén Rueda (madre), "No tengas miedo" llega el próximo viernes a los cines, no solo para denunciar un tema que en muchos casos aún resulta tabú, también "para hablar de la lucha de una de una persona que cada día, con fortaleza y un coraje encomiable, se enfrenta a la necesidad de rehacer su vida".

Armendariz durante el rodaje de la película. Oria Films.

Libros, otras películas que abordan el tema y testimonios, sobre todo testimonios, han ayudado a Armendáriz a componer este estremecedor relato sobre los abusos a menores y a crear un personaje, el de Silvia, que consigue hablar más a través de sus silencios que de sus palabras.

"En la mayoría de víctimas hay una ocultación de todo lo que está pasando, no verbalizan sus emociones y sentimientos, algo que solo cambia tras un proceso de terapia y mucho tiempo", ha explicado a Efe Armendáriz, que consigue trasladar al cine ese recorrido con una víctima que solo con los años acaba reconociendo que su vida es un vaso hecho añicos que se siente incapaz de recomponer.

Con el objetivo de mostrar que los abusos a menores en el ámbito familiar es una situación más común de lo que generalmente se piensa, el director decidió situar la acción de "No tengas miedo" en el seno de una familia de clase media alta.

Según Armendáriz, si hubiera elegido una familia "marginal o desestructurada" el espectador podría pensar "eso en mi familia no pasa", un error, porque "este tipo de hechos tremendos y horrorosos ocurren en las mejores familias".

Un padre ejemplar de cara a la galería, una madre que prefiere mirar hacia otro lado y una niña cuyo retraimiento nadie comprende, componen el particular ambiente familiar de una historia que se ayuda de los testimonios de víctimas de abusos para contar todo aquello que Silvia no es capaz de verbalizar por sí misma.

"Esos personajes están basados en testimonios reales, cada uno es una mezcla de casos para dejar claro que la historia de Silvia no es un caso único", relata Armendáriz.

Uno de estos personajes lleva al espectador al otro lado de los abusos, al del abusador, que en muchos casos fue víctima durante su niñez y que con los años se rebela contra ese sufrimiento haciendo nuevas víctimas.

Según Armendáriz, para comprender, nunca justificar, los motivos de quienes abusan de niños, "tienes que dar un gran salto y ponerte en su lugar. No los puedes juzgar desde tu punto de vista, porque ellos actúan desde una realidad absolutamente distorsionada: para ellos lo que hacen no es monstruoso, sino que forma parte de su vida".

Hacía seis años, desde "Obaba", que Armendáriz no volvía a la gran pantalla, un lapso de tiempo que justifica por "un par de proyectos que al final no salieron" y por los dos años dedicados a esta cinta, que vuelve a servir al cineasta como herramienta de denuncia social, un tipo de cine que él comprende que no siempre encaja con el gusto del espectador.

"Así es la sociedad que tenemos. Ante los gustos y las decisiones del espectador no se puede hacer nada. Lo que hay que preguntarse es por qué la gente va a ver determinado tipo de cine. Marketing, promoción, distribución..., hay una serie de elementos que condicionan la decisión del espectador", dice Armendáriz, que, pese a todo, no renuncia a contar "historias que es necesario contar".

"Cuba a cámara lenta", crónica viajera alejada del turismo y del mojito

El periodista y escritor César G. Calero sorprende con Cuba a cámara lenta (RBA), un cuaderno de viajes sobre la isla caribeña "alejado de los discursos oficiales y de los tópicos del mojito y el turismo tradicional", según el propio autor. 

"Caribe y Cuba laten a un ritmo muy lento", explica Calero en una entrevista donde afirma que "hay que acercarse de una manera sosegada a la isla para escribir sobre ella". 

Cinco años, los mismos que pasó en Cuba trabajando como corresponsal para diferentes medios (de 2003 a 2008), le sirvieron a Calero para gestar esta particular visión de un país al que la literatura suele acercarse desde la perspectiva política y de la revolución. 

Para el autor, Cuba "no puede entenderse sin la revolución desde hace medio siglo". Pero su libro no la aborda directamente, sino que se centra en la vida cotidiana de sus habitantes y personajes, algunos, testigos directos de ese momento histórico como Pedro Ortiz Machado, octogenario habitante del pueblo Macondo que combatió junto a Fidel Castro en Sierra Maestra. 

Otros, por el contrario, manifiestan en el libro su percepción desfavorable del régimen, "como los jóvenes poetas de Alamar, una especie de ciudad dormitorio a las afueras de La Habana donde se mezclan corrientes contraculturales y alternativas de quienes disienten de las políticas que se emprendieron en Cuba en los últimos años". 

Son todos personajes anónimos, "vidas exageradas las que uno encuentra en Cuba", que narran historias reales "que superan la ficción, como se suele decir", apostilla Calero antes de relatar la aventura de los "camionautas" que trataron de cruzar el estrecho de 90 millas que separa Cuba de la Florida a bordo de un camión de los años 50 reconvertido en barco. 

Portada del libro. RBA.

Para Calero, "el mejor acercamiento a la isla es darse un paseo de punta a punta por el malecón para encontrarse con un montón de personajes estrambóticos y muy interesantes".  

Precisamente allí conoció a Rigoberto Torres Díaz, uno de sus personajes favoritos, "viejo vendedor de sedales que planta a diario su chiringuito en la bahía habanera", a quien Calero trató mucho para acercarse a todas las historias que tenía que contar. 

"Si uno tira del hilo y siente curiosidad, salen auténticas novelas reales de lo que te cuenta cada personaje", sostiene el periodista que además de utilizar las voces de quienes viven en la isla recoge en esta obra citas de poetas y cineastas que han hablado sobre ella. 

En el libro, a caballo entre la crónica narrativa y la literatura de viajes, "dos géneros fronterizos a los que he intentado rendir tributo", dice, la arquitectura aparece reflejada casi como si de otro personaje se tratara. 

"En Cuba es fácil ver edificios en obras que no sabes si están en construcción o en demolición. Parece que están a punto de desmoronarse, pero día a día se mantienen, igual que el sistema, que lleva años aguantando así, apuntalado", explica Calero. 

Según el escritor "hasta que no desaparezca esa generación histórica, hasta que no vayan muriendo los veteranos de Sierra Maestra, con Fidel a la cabeza, no se van a percibir grandes cambios en la Isla, donde todo ocurre a cámara lenta, de manera muy pausada". 

Con este libro (Premio Eurostars Hotel de Narrativa de Viajes 2010), el periodista no sólo ha conseguido recopilar "todas esas crónicas que un corresponsal puede vivir y para las que no son suficientes 100 líneas de un periódico", sino que ha logrado mostrar la "cara B" de un vinilo con una "cara A" en la que sólo hay hueco para la política.

Un Pete Doherty casi formal se entrega a su público en Madrid

Casi formal, casi políticamente correcto, Pete Doherty se ha entregado a sus fans madrileños en un concierto de más de hora y media en el que le ha dado tiempo a fumar, charlar, beber y dar un auténtico recital de buena música con las canciones en acústico de su primer disco en solitario. 

Sólo media hora más de lo previsto ha tenido que esperar el público de la Joy Eslava a la salida del irreverente músico británico que, en un espacio más reducido de lo habitual en sus conciertos, ha presentado con la única compañía de su guitarra los temas que forman parte de "Grace/Wastelands", el álbum en solitario que publicó en 2009. 

Ha saludado en español, ha aguantado el tipo durante la veintena de canciones del concierto y, sobre todo, se ha esforzado por complacer los deseos de un público tan joven que cuando Doherty comenzó a cosechar éxitos con The Libertines allá por 2002, apenas tenían edad para beber cerveza en un bar. 

Durante el concierto, el autor de temas como Fuck Forever (una de las canciones más coreadas del directo), ha firmado autógrafos, ha compartido micrófono con algunos fans voluntarios, ha recogido los sombreros, bufandas del Betis y hasta bragas que le lanzaban desde la arena y se ha dejado sobornar con licor para continuar tocando. 

Y es que, el hombre que pasó dos meses en la cárcel por robar en el piso de su compañero de banda, que se presentó en un juzgado con una papelina de heroína en el bolsillo del abrigo y fue detenido bajo sospecha de suministrar drogas a un amigo que falleció por sobredosis, no deja de ser el enfant terrible del panorama musical británico por mucho que llegue puntual a uno de sus conciertos. 

Se le ha debido de olvidar que la ley española prohíbe fumar en espacios públicos cerrados y, entre canción y canción, Doherty no ha dudado en echarse un cigarrillo, un exceso que no ha debido de ser el único de la noche a juzgar por la torpeza en forma de tropezones que se ha apoderado de él hacia el final del espectáculo, pero que no le ha impedido seguir tocando con el mismo ímpetu del principio. 

Un dúo de bailarinas, con una original puesta en escena, han acompañado a Doherty en algunas de las canciones y han contribuido a recrear una atmósfera más íntima, casi mágica, para melodías como For Lovers. 

Las versiones en acústico de temas como Don't Look Back into the Sun, What a Waste o Delivery, han sonado dignas y casi irrepetibles junto al resto de temas del primer disco en solitario de este músico promesa de la nueva oleada de punk-rock británico junto a The Libertines, ejemplo de creatividad artística con Babyshambles y cuestionado por sus adicciones siempre. 

El lunes en Barcelona concluirán las citas españolas de una gira por Europa en la que Doherty viaja acompañado por los teloneros The Ezra Beats, la banda liderada por su hermana Amy Joe Doherty que ha sabido caldear el ambiente con un show alegre y divertido antes del plato fuerte de la noche.

Risto convierte unos grandes almacenes en el Paraíso en su primera novela

El publicista Risto Mejide se ha atrevido con la literatura de ficción con Que la muerte te acompañe una novela que relata la vida y, sobre todo, la muerte de Toscano, un cajero de supermercado que debe conseguir abrir las Puertas del Cielo, unos grandes almacenes, para recuperar a su amada, Paula.

Un Paraíso que es un Corte Inglés de siete plantas, cajas registradoras que evalúan tu coraje o incoherencia según el caso y publicistas agentes de almas entrenados para facilitarte el acceso al Cielo componen la peculiar mitología de esta novela con tintes autobiográficos cargada de ironía.

"No llevo tanto tiempo escribiendo como para no tener que tirar de autobiografía", ha explicado Risto Mejide que presentaba hoy este libro que llega el viernes a los estantes de las librerías repleto de referencias al mundo de la publicidad.

Para Risto, la incursión en la literatura de no ficción ha sido una "evolución natural" derivada de sus dos primeros trabajos literarios, El pensamiento negativo y El sentimiento negativo, que alternaban su particular filosofía de vida con episodios de su propia experiencia profesional.

El resultado es una novela de poco más de 200 páginas, fácil de leer y llena de optimismo. "He escrito la novela que me gustaría leer", afirma un Risto que se "aburre" con largas descripciones y, quizá por deformación profesional, trata de condensar las frases al máximo.

Portada del Libro. Espasa.

Precisamente de su profesión deriva su particular visión de la vida en la que las cajas registradoras son una suerte de "confesionarios" ante los que es imposible mentir.

De la verdad que se esconde tras lo que la gente compra sabe mucho Toscano, un observador cajero de supermercado que asiste atónito a su propia muerte.

Toscano es conducido por su agente publicitario a las puertas del Paraíso, El Corte Inglés, donde tendrá que conseguir pasar de nivel hasta la última planta.

Allí le espera el "Presi", Dios, el único que puede hacer realidad su deseo de declarar su amor a Paula, una clienta habitual de su supermercado cuya vida conoce a través de sus compras.

A Toscano la vida le ha dado muchos limones, una fortuna que comparte con Risto, que hasta lo agradece: "Es necesario para tener algo que contar. Es imposible escribir cuando uno es muy feliz porque entonces, lo que hay que hacer es vivir la vida".

Risto escribe por su propia infelicidad, "por necesidad", y porque dice "es lo mejor" que sabe hacer. Sin embargo, empapa de optimismo las páginas de su libro en el que vuelca sus propios fracasos, sentimentales y vitales, al tiempo que narra las aventuras de un protagonista dispuesto a todo por amor.

"Es un canto a la intuición frente a la razón. Toscano y Paula no se conocen, pero es así como empiezan todas las historias de amor, con dos personas que no se conocen, pero que sienten cierta atracción", relata el autor.

Como viene siendo habitual en sus libros, "es el sello de la casa", la numeración de las páginas va de atrás adelante "por una cuestión práctica, porque me preocupa más lo que me queda que lo que llevo y, de este modo, a la gente que no sabe ni sumar ni restar como yo, nos facilita las cosas. Debería haberlo patentado".

Según Risto, la publicidad lo impregna todo "y más ahora que con la gran revolución 2.0 se ha democratizado y cualquiera es capaz de gestionar su propia reputación, para bien o para mal, desde Facebook o Twitter".

Sin embargo, cree que a su libro no le hacen faltan eslóganes ni campañas publicitarias porque, afirma, "la mejor campaña de este libro es lo que he escrito dentro. Cualquier cosa que diga ahora solo lo empeoraría".

Mañana llega a las librerías Que la muerte te acompañe, una historia de amor plagada de referencias a la cultura popular -con un cameo de Patrick Swayze y canciones de Nina Simone o Def Leppard en el hilo musical del Paraíso-, que resulta tan entretenida como ristoniana. 

Aniston: "Procuro que cada película me ilusione como al inicio de mi carrera"

Jennifer Aniston, la popular Rachel de la serie Friends, ha pasado hoy por Madrid para presentar Sígueme el rollo, su nueva comedia romántica, de la que ha dicho que, como la mayoría de proyectos en los que participa, le ha hecho sentir "ilusionada y animada" como al inicio de su carrera. 

Aunque en un principio se hace la sorprendida cuando le preguntan si le pesa la corona de reina de la comedia -"no sé si es cierto que me etiqueten así", dice-, en seguida reconduce la pregunta para afirmar que si tiene que llevar una corona, se pondría ésa "con mucho orgullo". 

Junto a sus compañeros de rodaje, el humorista Adam Sandler y la modelo Brooklyn Decker, Aniston ha protagonizado una rueda de prensa en la que los entrevistados, siguiendo la estela de la película que presentaban, han optado más por el humor que por las respuestas serias. 

"No envidio ninguno de los papeles de los actores candidatos a los Oscars", ha afirmado contundente Aniston quien un momento antes bromeaba diciendo que le habría encantado interpretar al rey de El discurso del Rey porque "habría sido un auténtico reto". 

Ha dicho sentirse "satisfecha" de haber madurado "como actriz y como persona" y de haber dado el salto de los papeles de mujer soltera e independiente de sus inicios, como el de la protagonista de Friends -"una serie que ha hecho feliz a mucha gente"- al momento actual, cuando suele interpretar a mujeres que rozan la cuarentena, están divorciadas o con hijos y viven en medio de una comedia romántica con final feliz. 

"Espero seguir haciendo lo que estoy haciendo ahora hasta que sea muy, muy, muy mayor", ha confesado entre risas la actriz, que dice que nunca ha buscado dirigir su carrera hacia la comedia o hacia el drama, sino encontrar "cierta conexión" entre ella misma y los personajes que interpreta. 

Los enredos y equívocos dan el toque de humor a Sígueme el rollo. SONY PICTURES.

En Sígueme el rollo, Aniston da vida a Katherine, una mujer con dos hijos que no ha vuelto a encontrar el amor tras su divorcio y trabaja como ayudante de un cirujano plástico (Danny, interpretado por Sandler) que finge ser un hombre infelizmente casado para conquistar a chicas jóvenes como la inocente Palmer (Decker). 

La cinta parodia los excesos de la cirugía plástica con hilarantes y exagerados ejemplos de las secuelas de un "retoque" que ha ido demasiado lejos, pero, sobre todo, a través del sorprendente personaje de Nicole Kidman (Devlin Adams), incómoda amiga de los tiempos de universidad de Katherine, que ha pasado por el quirófano para contribuir a la fantasía de una vida perfecta. 

La autoparodia de Kidman es uno de los puntos fuertes de esta película ambientada en Hawai para propiciar la pasarela de chicas en bikini y las bromas en el agua que tanto abundan en la filmografía de Sandler. 

Uno de los momentos más divertidos de esta comedia de enredos tiene lugar cuando los tres personajes protagonistas (el cirujano, la jovencita novia del cirujano y la ayudante que finge ser su ex mujer) se encuentran por primera vez en un restaurante donde Aniston abochorna a todos haciéndose pasar por una histriónica ricachona pasada de Martinis. 

Para Sandler, la actuación de Aniston en esta secuencia fue sorprendente porque "sabía que iba a ser graciosa, pero nunca imaginé que sería tan buena", una interpretación que se vio favorecida por los toques de improvisación del actor, que siempre deja algo a la imaginación, "aunque el guión sea tan bueno como éste". 

Sandler y el director la cinta, Dennis Dugan, han colaborado ya en media docena de películas, un tándem que ha dado como resultado otras comedias como Un papá genial o Zohan. Licencia para peinar. 

Decker, conocida por sus trabajos como modelo en la revista Sports Illustrated, debuta en la gran pantalla con este film, una interpretación que se queda en nada al lado de las de los pequeños Griffin Gluck y Bailee Madison, los pícaros "hijos" de Aniston que consiguen sacar partido a las mentiras de los mayores chantajeándoles para salirse con la suya

Duffy: "Siento que mi nuevo disco es un paso adelante en mi carrera"

Duffy, la veinteañera británica que saltó a la fama con canciones como Mercy, lanza hoy al mercado su nuevo álbum, Endlessly, un trabajo discográfico que ya siente como "un paso adelante" en su carrera.

Duffy tenía solo 23 años cuando consiguió que su primer trabajo, Rockeferry (2008), fuera uno de los más exitosos del año con más de 6,5 millones de copias vendidas en todo el mundo, un logro que, según ella misma reconoce, la hizo sentir que "dejaba de tener los pies sobre la tierra".

Sin embargo, lejos de conformismos, la artista galesa, poseedora de una de las voces más peculiares del panorama actual, confiesa que siempre ha visto el vaso "medio lleno".

"Pero eso no es negativo -puntualiza-, sino que me empuja a seguir buscando algo más. Siempre hay algo más que decir, algo nuevo que experimentar, algún objetivo que lograr".

Tras dos años sin grabar nuevas canciones, Aimee Anne Duffy achaca el parón discográfico a las giras, que la han mantenido ocupada durante todo este tiempo, tras el cual se ha vuelto a sentir "preparada" para "trabajar en un nuevo material".

Para su segunda aventura discográfica ha contado con la colaboración del compositor gibraltareño Albert Hammond, autor de emblemáticas canciones como When I need you, con quien la cantante sintió "una gran conexión", lo que ayudó a la preparación de la decena de canciones que forman parte de Endlessly.

"Hammond tiene más energía que cualquier persona que conozca, y eso que tiene casi 40 años más que yo", comentó Duffy, quien también disfrutó con la contribución del grupo de hip hop estadounidense The Roots a la canción Well, Well, Well, el que ya es el primer sencillo de un álbum en el que la cantante ha cambiado los sonidos soul por la música disco.

"Me gusta el hip hop, ¿por qué no incluirlo? Hay que experimentar y desarrollar nuevos sonidos. Siempre he considerado que repetirme a mí misma sería engañar, como servir dos noches seguidas la misma cena. Hay que seguir avanzando", explicó para describir este cambio de sonidos que no considera una evolución, sino un pretexto para hacer canciones más bailables.

Aunque el baile no es su fuerte -le gusta "sentir el ritmo de la música, dejarse llevar", pero no se siente cómoda con las coreografías-, la ayuda a expresarse sobre el escenario.

Precisamente este disco tiene un importante "trasfondo personal" y es un ejercicio de "valentía" que le ha permitido sentarse a solas consigo misma para expresar lo que siente.

"Una vez que escribo las canciones, cierro el libro, no miro atrás para reflexionar", dice Duffy, a quien no asustan las comparaciones con otras de las grandes voces del soul como Amy Winehouse o Dusty Springfield, porque comprende que "la gente siempre busca referentes para describir lo que está escuchando".

Duffy regresa al panorama discográfico fiel a su particular estilismo vintage. Duffy.

Depeche Mode, Joy Division y David Bowie son algunos de sus artistas favoritos, pero si disfruta con la música de alguien es con la de Édith Piaf.

"Me pongo a escuchar La vie en rose y, aunque no entiendo la letra, da igual, porque su voz es tan espléndida que basta escucharla para sentir el significado de la canción", comenta Duffy, para quien "lo que escuchamos, la ropa que llevamos y lo que hemos vivido, hacen de nosotros la persona que somos".

"Yo escucho música que sonaba 40 años antes de que naciera y visto ropa pasada de moda. No sé en qué me convierte todo esto, pero sólo así me siento yo misma", afirma.

Los ritmos funkies de Well, well, well y Keeping my baby y las baladas Endlessly y Too hurt to dance, son las grandes apuestas de un disco con el que Duffy busca "volver a conectar con el público y que las nuevas canciones se incorporen a las bandas sonoras de sus vidas" antes de plantearse volver a salir de gira.

El nuevo teatro de Shakespeare abre las puertas al siglo XXI en Stratford

La pequeña ciudad inglesa que vio nacer a William Shakespeare en 1564 reabre, tras una profunda transformación, un complejo teatral dedicado al dramaturgo para acercar obras tan universales como Macbeth o Romeo y Julieta al público del siglo XXI.

Reunidos en un mismo edificio, los teatros Royal Shakespeare y Swan, de Stratford-upon-Avon, se han abierto hoy a un público impaciente por ver los frutos de una reforma que ha costado tres años y un presupuesto de 112,8 millones de libras (unos 177 millones de dólares).

La acústica del edificio se ha cuidado tanto que incluso los susurros de los actores en las escenas más íntimas podrán escucharse desde cualquiera de las 1.050 butacas del complejo.

Se han eliminado 350 asientos para reducir el número de localidades con poca visibilidad, el escenario ha sido completamente renovado, aunque manteniendo su personalidad isabelina como seña de identidad del auditorio, y los espacios de acceso a las salas han adoptado un diseño diáfano para que el público disfrute al tiempo del paisaje que rodea al edificio.

Los dos teatros, que tienen todo a su favor para convertirse en los mejores escenarios del mundo para acoger las obras del más famoso dramaturgo de todos los tiempos, tienen como aliado el propio entorno de Stratford, al que se le ha dado un papel protagonista en el diseño del nuevo complejo, construido sobre las ruinas del anterior escenario, de 1932.

Vista del edificio en del entorno natural de Stratford. RSC.

A orillas del río Avon, con la Holy Trinity Church -la iglesia en la que está enterrado Shakespeare- visible prácticamente desde todas las partes del edificio, el idilio con Stratford se completa con la torre de 8 plantas y 36 metros de altura que permite divisar desde su cima la casa donde nació el dramaturgo, la escuela que frecuentó y el que fue su hogar.

Esta nueva casa de la Royal Shakespeare Company (RSC), erigida en el lugar que desde 1769 ha acogido distintas salas dedicadas al autor de Hamlet, ha sido construida tras la demolición, hace tres años, del anterior edificio, menos funcional, pero con emblemáticos elementos art nouveau.

Varias ornamentaciones se han mantenido, como la puerta de entrada de bronce y aluminio o la ventanilla de venta de entradas, ahora ubicada en el pasillo principal de la planta baja.

El director artístico de la RSC, Michael Boyd, explicó en la presentación que "el objetivo" era conseguir que "obras de teatro que ya tienen cuatro siglos, sigan llegando al público durante los próximos 100 años".

El nuevo teatro añaden intimidad a las representaciones, fomentan la cercanía ente actores y público y democratizan el arte con espacios comunes compartidos por todos los espectadores, como restaurantes y pequeños espacios para acoger exposiciones.

De esta manera se ha conseguido que el coliseo dedicado a Shakespeare se convierta además en un lugar de encuentro para acercarse a la figura del famoso dramaturgo.

Shakespeare está presente en todo el edificio en forma de pequeños guiños al público como proyecciones de algunas de sus citas más inmortales: "Ser, o no ser. Ésa es la cuestión", o una silla que invita a reposar sobre ella pero que "protesta" cuando algún incauto se sienta al grito de algunos de los insultos más divertidos y curiosos de las obras del autor.

A partir de hoy y hasta el 3 de abril, el público podrá visitar las nuevas instalaciones, pero no será hasta el próximo febrero cuando el nuevo teatro estrene su escenario con El Rey Lear, pistoletazo de salida de las celebraciones del 50 aniversario de la compañía, que se celebrará con una nueva producción de Macbeth, dirigida por Boyd.

Fernando Montaño, un bailarín con mucho que ofrecer al Royal Ballet

El joven bailarín colombiano Fernando Montaño no es un recién llegado al Royal Ballet británico, pero siente que aún tiene mucho que aprender y ofrecer antes de llegar adonde ha llegado, por ejemplo, el cubano Carlos Acosta.

"Todos queremos ser como Acosta", afirmó Montaño en una entrevista, refiriéndose al bailarín que le apadrinó a su llegada a la Opera House londinense hace ya casi cinco años.

En este lustro, Montaño ha pasado de la categoría de "artista" a la de "primer artista", pero sabe que aún le quedan algunos peldaños que ascender antes de llegar a ser "primer bailarín", la más alta categoría en la particular jerarquía del ballet.

Montaño tenía 20 años cuando aterrizó en Londres sin saber inglés, pero dispuesto a mostrar lo mejor de sí en una audición de dos días para formar parte del Royal Ballet, la primera compañía de ballet del Reino Unido.

Acosta había hablado de él, pero su talento y su currículum fueron sus mejores avales y Montaño recibió la noticia de que había sido aceptado en la compañía el mismo día de la audición.

Fernando Montaño, primer artista en el Royal Ballet de Londres. Fernando Montaño.

Con 12 años, "una edad tardía para un bailarín", Montaño comenzó su formación en el mundo del ballet en la Escuela Nacional de Colombia, "un país con poca tradición en la que sólo hay una escuela que complemente las clases de baile con las de español y matemáticas".

Tan solo dos años después, consiguió una beca para continuar su formación en Cuba, donde, según relató, los bailarines son considerados prácticamente ídolos y donde tuvo ocasión de conocer a Acosta.

"Llegué en un año muy difícil para el país, cuando se produjo la crisis del niño Elián González. Los transportes no funcionaban, estaba lejos de mi familia, que no era rica, pero teníamos todo lo necesario, y pasé un primer año muy duro", relata el joven bailarín, para quien el sacrificio mereció la pena porque gracias a la formación que recibió en Cuba consiguió dar el salto a Europa.

Italia primero y el Reino Unido desde hace cinco años han sido testigos desde entonces de los progresos de este bailarín que, junto al resto de compañeros del Royal Ballet, ensaya una media de 8 horas diarias.

De Colombia echa de menos a su familia, a su madre, que falleció cuando él llevaba sólo dos meses en el Royal Ballet, el clima y las frutas tropicales. Pero Montaño tiene la suerte de ver cómo gracias a su sacrificio está empezando a cosechar buenos resultados.

Desde su llegada al Royal Ballet ha conseguido pasar de "artista" a "primer artista", lo que conlleva que se multipliquen sus participaciones en las funciones y que pueda mostrar más de sí mismo en escena.

En el pase de Cinderella (Cenicienta) de este fin de semana, Montaño figuraba como un miembro más del cuerpo de baile, hacía el papel del Bufón, que conlleva además una gran carga interpretativa, y representaba a uno de los cuatro caballeros de las hadas.

"Es muy difícil compatibilizar tantos papeles. Tienes que estar pendiente de la posición, de los pasos, de la música... y a veces los compañeros no ayudan", confiesa el bailarín, quien sostiene que las rivalidades y la competitividad a veces hacen mella en la relación entre compañeros.

Su ambición es llegar a ser primer bailarín en los próximos tres años y su sueño, conseguir ser artista invitado en la Ópera de París y el Metropolitan de Nueva York.

Sin embargo, mantiene los pies en la tierra, sabe que una lesión podría dar al traste con todo en cualquier momento y por eso procura cuidarse, comer sano -"aunque sin pasar hambre"-, no salir mucho y estar atento a cualquier molestia muscular para que no vaya a más.

Es consciente de que la carrera de bailarín tiene un corto recorrido, por eso ocupa el poco tiempo libre que le queda en hacer algún trabajo como modelo, recibir clases de interpretación y dedicarse a una de sus grandes pasiones, la pintura.

Se siente afortunado de tener la oportunidad de trabajar junto a bailarines de la talla de Acosta y la española Tamara Rojo porque, según reconoce, aún le queda mucho que aprender de ellos para seguir subiendo escalones en el mundo del ballet, una disciplina en la que los sueños solo se cumplen a base de mucho esfuerzo y grandes sacrificios.

Daniel Radcliffe, tras el fin de la saga Harry Potter: "No temo encasillarme"

Ha pasado casi la mitad de su vida interpretando el papel del mago protagonista de la saga Harry Potter, pero Daniel Radcliffe no teme encasillarse y aborda con optimismo el final de la saga: "Ahora tendré más tiempo para embarcarme en nuevos proyectos", dice.

Con su papel de joven atormentado en la producción teatral Equus, el West End londinense ya pudo comprobar que Radcliffe no se conformaría con ser recordado como el niño que creció como protagonista de una de las franquicias más taquilleras de la historia del cine.

"Realmente confío en que el público pueda verme como alguien diferente y me siga apoyando a partir de ahora", declaró hoy Radcliffe, que presentó hace unos días en Londres Las Reliquias de la Muerte, la primera parte de la última entrega de una saga de la que ha dicho que es "un genial comienzo" para el resto de su carrera como actor.

"Creo que teníamos solo 16 años cuando Emma Watson, Rupert Grint y yo fuimos premiados por la revista Empire por nuestra 'destacada contribución al cine', así que no podemos negar que Harry Potter ha sido un gran trampolín para nuestras carreras", explicó el actor, que ya tiene 21 años.

Radcliffe tenía sólo 11 años la primera vez que cogió la varita del Mago Harry Potter. Daniel Radcliffe.

Guarda las primeras y diminutas gafas que lució para caracterizarse como Harry Potter y lloró el último día de rodaje de la saga, pero Radcliffe reconoce que ha sido "un alivio" terminar esta etapa y confía en que, "después de haber participado en una serie de películas tan importantes para la industria cinematográfica británica", tendrá oportunidad de hacer otras cosas que le permitan seguir creciendo como actor.

De momento, ya prepara su vuelta a los escenarios con la obra How to Succeed in Business Without Really Trying, un musical que se estrenará en Broadway (Estados Unidos) la próxima primavera, y será el protagonista de la producción cinematográfica independiente Woman in Black.

Sin embargo, el joven, que debutó en el mundo de la actuación con tan solo 10 años en el telefilme David Copperfield, no se deja llevar por la fama y el dinero atesorados en su precoz aunque intensa carrera y afronta con humildad su futuro tras cerrar la etapa como Potter.

"Sé que a partir de ahora tendré que trabajar el doble. Llevo casi toda mi vida haciendo esto, actuando, y sólo quiero mantenerme así y seguir teniendo la oportunidad de participar en proyectos interesantes", comentó Radcliffe, quien espera poder seguir compatibilizando su carrera cinematográfica con el teatro.

Confiesa que no lee todo lo que escriben sobre él porque no le gusta "leer las cosas malas" que publica cierto tipo de prensa, pero conoce el peso de la fama y siente que tiene que ser "cuidadoso" para que no le vean en discotecas, ya que teme que lo que se diga de él pueda llegar a afectar a su carrera.

Tras el final de la saga, Radcliffe afronta su futuro con optimismo. Daniel Radcliffe.

Radcliffe se ha hecho adulto en la gran pantalla, ha aprendido que, cuando se crece, "no puedes recurrir a tus padres en busca de todas las respuestas y tienes que asumir tu propia mierda", pero sabe que su carrera no ha hecho más que empezar.

"Con suerte algún día dirigiré mi propia película. Me fascina todo lo relacionado con la industria cinematográfica, pero aún es muy pronto para dar un paso como ése, aún me queda mucho que aprender", afirmó.

Emma Watson y Rupert Grint buscan nuevos retos tras el final de Harry Potter

Emma Watson y Rupert Grint o, lo que es lo mismo, Hermione Granger y Ron Weasley en la saga Harry Potter, confesaron que se sienten "expectantes" tras el final de la heptalogía y "preparados" para asumir nuevos retos profesionales y personales.

Watson "celebró" el final del rodaje con un radical corte de pelo a modo de "bienvenida de la nueva etapa", que para ella está llegando "de forma gradual".

"Hemos terminado el rodaje de Las Reliquias de la Muerte, pero aún nos queda la promoción de la segunda parte y todavía no siento que esto se haya acabado", comentó Watson en Londres, donde se está presentando a la prensa la primera parte de la última entrega de la saga.

Hace un par de años no lo tenía tan claro, pero ahora sabe que seguirá en el mundo de la actuación, ya que se siente "muy satisfecha" con su interpretación en las dos últimas películas, algo que le ha dado "la suficiente confianza" para animarse a seguir en la industria del cine.

"Seguiré actuando, pero también seguiré haciendo muchas otras cosas. No puedo estar sin hacer nada. Me gusta escribir, trabajar como modelo, diseñar... Soy muy joven todavía, me siento capaz de cualquier cosa", explicó la actriz, que hace un par de años comenzó a estudiar arte en una universidad estadounidense.

En estos años en los que ha estado en la primera fila del panorama cinematográfico, Watson ha podido sentir también que la fama tiene un precio.

"La gente a veces es adorable, pero otras veces sientes que saben todo sobre ti, sobre tus padres, sobre cualquier cosa", manifestó la actriz, quien confesó que lo que más ha echado de menos en estos años ha sido "tener tiempo para cometer errores".

Pese a todo, se siente "orgullosa" de haber completado "el viaje de Hermione", aunque reconoce que "no siempre fue fácil crecer así".

Radfliffe, Watson y Grint en la presentación de Las Reliquias de la Muerte en Londres. Daniel Radcliffe.

Por su parte, Grint, que junto a Watson y a Daniel Radcliffe, el protagonista de la saga Harry Potter, ha pasado una década de su vida en el set de rodaje de una de las franquicias cinematográficas más rentables de la historia, reconoce que lo que más ha echado de menos es "tiempo para hacer cosas normales, como esquiar o tocar en un grupo".

Echará de menos a Ron y el ambiente de rodaje, pero se siente "aliviado" con el final y "preparado para afrontar nuevos retos".

También para Grint la fama tiene un lado negativo, ya que "no puedes confiar en cualquiera y nunca sabes si se acercan a ti por ser quien eres o porque de verdad quieren ser tus amigos", pero si dentro de unos años le pidieran hacer una octava parte de Harry Potter, "repetiría" sin pensárselo.

El comienzo del final de Harry Potter en una película más adulta y oscura

El principio del fin de la saga Harry Potter llega a la gran pantalla con Las Reliquias de la Muerte I, una cinta llena de emoción y aventuras en la que Harry, Hermione y Ron tendrán que enfrentarse a las fuerzas oscuras que ponen en peligro su amistad para derrotar al malvado Voldemort.

Más adulta y más oscura que las anteriores entregas, la séptima película de la saga cinematográfica basada en los libros de la británica J.K. Rowling es la primera que transcurre enteramente fuera del tradicional ambiente escolar de Hogwarts.

"Creo que esta película va a atraer a mucha más gente, no sólo a los fans", comentó Daniel Radcliffe, el joven actor que durante casi diez años ha interpretado el papel de Harry Potter y que ha presentado en Londres a los medios de comunicación una cinta que finalmente no llega a los cines en 3D como estaba previsto, por falta de tiempo para hacer una versión tridimensional de calidad.

Para Radcliffe, cuando Harry, Ron y Hermione salen del "ambiente familiar de Hogwarts" se sienten "más vulnerables" porque no cuentan con la protección de ningún adulto y además se encuentran "en constante peligro de muerte".

La amenaza constante de los esbirros de Voldemort persigue a los jóvenes magos desde el inicio de la cinta, que comienza con una secuencia llena de acción, la favorita de Radcliffe, en la que seis de los amigos de Harry toman una pócima para adoptar su imagen y conseguir despistar así a los malvados mortífagos que quieren acabar con su vida.

Emma Watson, la actriz que encarna a Hermione Granger, afirmó que "es importante que el público se dé cuenta de lo que implica ser amigo de Harry. Para seguirle, Hermione tiene que dejar atrás a sus padres y ese es el mayor sacrificio que tiene que hacer en su vida".

Aunque la amistad del trío protagonista parece blindada, las fuerzas del mal, a través de los Horrocruxes que encierran el alma de Voldemort y que los jóvenes magos deben encontrar y destruir, hacen que la confianza que les une se tambalee.

"Ron echa de menos a su familia, no confía en Harry ni en la relación que tiene con Hermione y teme que las fuerzas oscuras se apoderen de él", explica Rupert Grint, quien ha interpretado a Ron Weasley, el pelirrojo y risueño amigo de Potter, en todas las entregas.

El futuro del mundo de la magia y del mundo muggle -el de los seres humanos sin habilidades mágicas- está en las manos de estos tres jóvenes que se dan cuenta de que ningún lugar es seguro y no pueden confiar en nadie.

El director David Yates, que ya dirigió Harry Potter y la Orden del Fénix (2007) y Harry Potter y el misterio del príncipe (2009), está a cargo de la adaptación cinematográfica del último libro de la saga, que se ha divido en dos partes.

"Decidimos hacer dos películas porque en este último libro no se podían suprimir subtramas, era imposible resumir el argumento en una sola cinta, así que se tomó la decisión creativa de dividir Las Reliquias de la Muerte en dos", argumentó Yates, quien dijo que Rowling ha quedado "encantada" con el resultado.

Helena Bonham Carter, Ralph Fiennes, Rhys Ifans y Alan Rickman completan el reparto de esta película que tiene como escenario algunas de las calles más conocidas del centro de Londres.

Precisamente en esta ciudad, en uno de los cines del West End, se celebró hoy la premier de la película, que congregó a cientos de fans que esperaban poder conocer en persona a las estrellas de un filme que no llegará a los cines hasta el 19 de noviembre.

Un poco más tendrán que esperar los millones de seguidores de la saga para ver en la gran pantalla el desenlace de la franquicia cinematográfica más rentable de la historia. Será en julio de 2011 y, esta vez sí, en 3D.